Los discos seleccionados van desde el rock de vieja escuela de bandas como Los Tres o Los Bunkers, hasta el electro pop de aires europeos de Carlos Cabezas y sus Electrodomesticos; o desde el folclor pasional y sublime de Violeta Jara o Victor Jara hasta las sonoridades cosmopolitas y caóticas de Pánico. La presente selección es arbitraria, subjetiva y -ojalá- de amplio criterio.
La mayoría de los autores antologados pertenecen a la década de los noventa, lo que se explica fácilmente al hacer memoria y recordar el gobierno de facto que gobernó con mano dura a Chile durante casi dos décadas, cortando de raíz cualquier escencia o integridad artística que pudiera haber estado perfilando alguna consolidación hacia principios de la década del setenta. Recordemos que desde 1966 hasta 1973, el panorama musical nacional se vio explosivamente innundado por un buen número de bandas y solistas, con propuestas de notable valor artístico, y una motivación permanente por construir una verdadera identidad cultural chilena. Artistas como Violeta Parra, Los Jockers, Los Vidrios Quebrados, Victor Jara, Inti-Illimani o Quilapayún, abrían el sendero para bandas cada vez más arriesgadas musicalmente hablando, como Los Blops, Los Ángeles Negros o Los Jaivas. Sin embargo, cualquier proyecto mayor fue anulado con el golpe militar y el oscurantismo artístico que destruyó a Chile no solo desde un punto de vista moral, sino también cultural.
Son pocas las instancias musicales recatables de la época dictatorial; Los Jaivas e Inti-Illimani lanzaron sus mejores discos en dicho periodo, pero ya exiliados. Solo la irrupción a mediados de los ochenta de Los Prisioneros y su pop punk de liricas afiladas y desafiantes, o la artística performance integral de los Electrodomesticos, pudieron hacer de esa década una época más féliz creativamente hablando, brillando por sobre decenas de bandas intrascendentes, todas ellas pertenecientes al inflado boom del rock latino.
Afortunadamente, desde la década de los noventa la escena musical
nacional se vio inundada de nuevas figuras. Los Tres, Santos Dumont, La Rue Morgue, Los Miserables, Nicole, Marciano y Lucybell son solo algunos de los nombres destacados de dicha década, expandiendo los horizones musicales autóctonos como nunca antes. En el nuevo milenio, existe una auspiciosa realidad, que demuestra que aquella anhelada identidad musical chilena es más que una simple utopía, y está consolidandose gracias al rescate que las nuevas generaciones de músicos y compositores hacen de los precursores de la canción nacional (Parra, Jara, Gatti), junto a las nuevas e inevitables (por cierto, muy bienvenidas) influencias del pop-rock universal.
Este es mi primer post grande en Taringa, de manera tal que me diculpo por las seguras falencias que tendrá. Probablemente algunos links sean repost, pero la mayoría no, y además el trabajo bibliográfico derechamente no estaba. Por último, aclaro que esto lo voy armando a medida que tengo tiempo, por lo que aún faltan cosas por afinar (mejorar algún texto, subir alguna foto y poner el link de los ángeles negros), pero prometo hacerlo a la brevedad.
Y ahora los discos, expuestos de manera absolutamente aleatoria:
Violeta Parra - Las Últimas Composiciones (1966)
Género: Folclor
Violeta sabía muy bien que éste sería su último disco. Ya antes de grabarlo había intentado quitarse la vida por primera vez; se ha escrito que agobiada por el fin de su relación con el suizo Gilbert Fauvre y la tibia recepción que encontró en Chile luego de regresar de Europa. La hermana de Nicanor concibió este álbum con decisión de trascendencia. Cuatro meses después de su edición, el 5 de febrero de 1966, su pistola descargó una bala en su sien que esta vez sí fue efectiva.
El grueso de los auditores llega a Violeta a través de antologías, lo cual no está nada mal. Pero un seguidor curioso debe estar enterado del nivel sorprendente de este disco, grabado de una vez y con una concentración apabullante de canciones clásicas. Se han hecho suficientes interpretaciones sobre el hecho de que una mujer con su suicidio en pauta compusiera una canción como “Gracias a la vida”. Qué puede escribir uno sobre esos versos categóricos, los más universales en salir nunca de una mente chilena. Pero,como si esa canción enorme no bastara, Violeta se empeña en dejar bien en claro lo que Chile se pierde al ningunearla, y lanza una seguidilla de golpes al mentón: “El albertío”, “Run run se fue pa´l norte”, “Maldigo del alto cielo”,“Volver a los 17”, “Rin del angelito”. ¿No será esta una antología de grandes éxitos?, sospecha uno. Pues no; Las últimas composiciones es un álbum hecho y derecho en el que el talento se derrocha sin medida, desde un espíritu elevado que ya no piensa demasiado en este mundo. También uno se eleva al escucharlo.
1- Gracias a la vida
2- El Albertio
3- Cantores que Reflexionan
4- Pupila de Aguila
5- Run Run se fue pa’l Norte
6- Maldigo del Alto Cielo
7- La cueca de los Poetas
8- Mazurquita Modernica
9- Volver a los 17
10-Rin del Angelito
11-Una copla me ha cantado
12-El Guillatun
13-Pastelero a tus Pasteles
14-De cuerpo Entero
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Victor Jara - Pongo en tus Manos Abiertas (1969)
Género: Folclor / Nueva Canción Chilena
Un disco tremendo, un disco para llorar, un canto a la vida, un canto a la esperanza. No puedo encontrar palabras que no suenen comunistas para alabar a este gran disco de Victor Jara. Un disco con contenido tan politico que cuesta no tomarlo en cuenta y ningun capitalista, marxista ni fascista podra destruir este hermoso patrimonio a la cultura de 1969: Pongo en tus Manos Abiertas.
Este disco está lleno de canciones politicas como la gran A Luis Emilio Recabarren dedicado al politico del mismo nombre, la gran A Desalambrar, la hermosa Duerme Duerme Negrito y el resto de canciones que sin duda me hacen levantarme y leer las teorias marxista para cambiar el mundo. Pero es Preguntas por Pto Montt es donde la ira de Jarase ve descargada debido por la matanza de 9 obreros y una menor de 9 meses a manos de carabineros bajo el mandato del ministro del interior Perez Zujovic, un canto de ira y de confrontacion.Movil Oil Special es el tema ritmico mas alegre y revolucionario que habla de los jovenes de las universidades y como se levantan a luchar. Luego sigue El Martillo, cancion adaptada de un tema del compositor Peter Seeger. Pero no hay tema mas emotivo que la inolvidable historia de un amor entre obreros que se cuenta en Te Recuerdo Amanda, un tema que se encuentra en la memoria del pueblo de Chile. Sus tres temas de cierre son ya conocidos por los que han oido la obra de este cantor del pueblo sobre todo la bailable A Cochabamba Me Voy.
1 A Luis Emilio Recabarren
2 A Desalambrar
3 Duerme, Duerme, Negrito
4 Juan sin Tierra
5 Preguntas por Puerto Montt
6 "Movil" Oil Special
7 Camilo Torres
8 El Martillo
9 Te Recuerdo Amanda
10 Zamba del Che
11 Ya Parte el Galgo Terrible
12 A Cochabamba Me Voy
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Los Jaivas - Canción del Sur (1977)
Género: Rock Progresivo
Canción del Sur nace de la experiencia de Los Jaivas al vivir en Buenos Aires entre 1973 y 1977, desde donde proyectaron giras por diferentes países de Latinoamérica, además del interior de Argentina, lo que les permitió descubrir esta cultura, y sus paisajes, generando imágenes y sentimientos que marcaron la creatividad del grupo. En particular, sus visitas a la Patagonia son las que inspiran el tema del título del disco. Para este álbum la banda está conformada por seis integrantes: Pájaro Canzani, en bajo, reemplaza a Julio Anderson (que había reemplazado a Mario Mutis para las sesiones de El Indio), y el sexto Jaiva Alberto Ledo se les une en variados instrumentos de cuerda y viento. Como ambos cantan, es posible aumentar las armonías vocales desarrolladas en cada tema, lo que es apreciable en varios cortes de este disco y los singles que le siguieron.
Hay tres temas principales en el disco; el tema que le da título evoca con una letra poética y nostálgica los paisajes del sur de Latinoamérica y sirve de escenario para la irrupción del minimoog (ejecutado en un extenso solo por Eduardo Parra) como instrumento clave en el sonido de Los Jaivas. "Dum-Dum Tambora" es una extensa improvisación rock basada en una temática popular uruguaya, y el extenso instrumental "Danzas" combina diversos elementos de folclore latinoamericano con guitarras y sintetizadores provenientes del rock tradicional. Los otros temas, más breves, permiten a los músicos explorar otros estilos: "La Vida Mágica, ¡Ay Sí!" es un acercamiento a la cueca chilena; "Canción para los Pájaros" tiene ritmos populares del Amazonas y "En la Cumbre de un Cerro" y "Frescura Antigua" permiten que el grupo se conecte con su lado más americanista.
La edición en CD de Canción del Sur contiene, además, dos singles: uno, editado en Latinoamérica con la venia del grupo, traía como lado Al optimista tema "En Tus Horas" y como lado B una versión primitiva del "Mambo de Machaguay", que después sería regrabado en las sesiones de Aconcagua (1983); el otro, gestado por un productor externo (Eddy Owens), es señalado como una de las grabaciones más extrañas de Los Jaivas, al no tener nada que ver con su estilo de creación: se trata de dos canciones que combinan el disco con sonidos andinos, en una mezcla comercial y desechable. Los músicos graban estos dos temas, pero jamás los interpretan en vivo, y actualmente ríen al recordar su contenido.
01. La Vida Màgica, Ay Sí (3:21)
02. En La Cumbre De Un Cerro (5:06)
03. Canción Para Los Pàjaros (3:14)
04. Dum Dum Tambora (7:50)
05. Canción Del Sur (7:39)
06. Danzas (8:44)
07. Frescura Antigua (3:18)
08. En Tu Horas (3:46) - bonus track
09. Mambo de Machaguay (3:34) - bonus track
10. Sueňo del Inca (3:39) - bonus track
11. Bebida Magica (2:55) - bonus track
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Los Jaivas - Alturas de Machu Picchu (1981)
Género: Rock Progresivo
Durante su estancia en Francia, el grupo recibe la visita del productor peruano Daniel Camino, quien les presenta su idea de un soñador proyecto: componer una gran cantata latinoamericana inspirada en los versos de "Alturas de Machu Picchu" de Pablo Neruda, con la participación de grandes voces como Mercedes Sosa y Chabuca Granda, e interpretada y registrada para la televisión en las propias ruinas, con la intervención de Mario Vargas Llosa en la presentación. En la época, el grupo había terminado de preparar las Obras de Violeta Parra y se disponía a iniciar una nueva gira europea para presentarlas.
En un principio, Los Jaivas no toman demasiado en serio la idea. Es realmente la insistencia de Daniel Camino la que inspira al grupo a comenzar a trabajar en el poema, confeccionando ejemplares para cada integrante del grupo, en cada uno de los cuales se van agregando anotaciones de trabajo, que indican la diversidad de las interpretaciones que cada uno da al poema. El impulso definitivo viene del ex-integrante Alberto Ledo, quien, antes de marcharse del grupo para llevar a cabo proyectos en solitario, entrega a Los Jaivas un tema instrumental, que Eduardo Parra, por su sonoridad etérea, titula "Del Aire al Aire", como el primer verso del primer canto dellibro. Posteriormente, se definen los trozos del poema que serán cantados y se arman los ritmos y melodías que acompañarán el canto. El complejo trabajo demora nueve meses, al cabo de los cuales se entrega uno de los discos más importantes en la historia de la música chilena.
El gran mérito de Alturas de Machu Picchu, según los críticos, es el lograr reproducir el temple de ánimo del poeta y su mensaje insinuado, a través de los arreglos musicales y de estilo que se proponen en el álbum. Es así como "Águila Sideral" evoca el vuelo de un águila por las altas cumbres de Los Andes a través de los redobles de la batería y la guitarra eléctrica distorsionada por el minimoog; "Amor Americano" es un trote nortino que aprovecha el impecable ritmo del poema; y "Sube a Nacer Conmigo Hermano" presenta, en ritmo de joropo venezolano, un canto lleno de solidaridad y fuerza. La obra de mayor aliento del disco es sin duda "La Poderosa Muerte", que extrae líricas de varios cantos del poema, y se compone de ritmos y estilos variados,incorporando extractos de marchas, cuecas y rock progresivo, entre otros, unidos por solos extensos de guitarra eléctrica, piano y minimoog. "Antigua América" es un instrumental netamente progresivo, que permite mostrar a cada uno de Los Jaivas ejecutando su instrumento con precisión y maestría, y "Final", una coda de "Sube a Nacer Conmigo Hermano" tiene tintes de música clásica. En todo el disco se nota el cuidado por las armonías vocales y la presencia de instrumentos de viento, además de la pureza de las percusiones y los sonidos ambientales.
El poema no es reproducido en su totalidad en el disco, por razones de espacio y de estilo. La otra alternativa considerada (componer un instrumental como acompañamiento a la lectura del poema) también es desechada, por lo que se opta por una alternativa intermedia: elegir versos y cantos significativos. De esta forma, cada tema termina escogiendo versos de diferentes "cantos" del poema original.
Lista de canciones
1 "Del Aire al Aire" (2:17)
2 "La Poderosa Muerte" (11:12)
3 "Amor Americano" (5:28)
4 "Águila Sideral" (5:22)
5. "Antigua América" (5:38)
6. "Sube a Nacer Conmigo Hermano" (4:46)
7. "Final" (2:37)
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Los Prisioneros - Pateando Piedras (1986)
Género: Electro Pop
Antes de salir al mercado, el 15 de Septiembre de 1986, el cassette “Pateando Piedras” ya tenía cinco mil copias vendidas. El fenómeno de Los Prisioneros era un temporal que arrasaba con todo. Durante ese año, Los Prisioneros se convirtieron rápidamente en celebridades y en punta de lanza del nuevo pop chileno o al menos, en su representante más radical. Los muchachos se pelean con todos y con todo. Y así se convierten en los más amados y los más odiados del país, sin versiones intermedias.
Mientras el público aún atesora “La voz de los ochenta”, su primer disco, Los Prisioneros se arriesgan y entran otra vez al estudio, para registrar su segundo álbum: “Pateando Piedras”, nuevamente producido por Caco Lyon y ellos mismos. Los que tuvieron la oportunidad de escuchar las primeras canciones reciben una gran sorpresa, el sonido es distinto. La influencia tecno de Depeche Mode es obvia y muy importante.De esta placa salen los cortes mas emblemáticos de la banda como “EL baile de los que sobran” (todo un himno y la canción mas conocida de la banda) y “Muevan las industrias“, los radicales “Por que no se van” y “Por que los ricos” o los temas “Estar solo” y “Una mujer que no llame la atención“, que reflejaban el estado que vivía Jorge recientemente casado. Sin embargo hay canciones que son toda una joya y no pierden vigencia con los pasos de los años como “Independencia Cultural” y “Exijo ser un héroe“.
La presentación del disco se realizó un sábado 1 de noviembre en el estadio Chile (Hoy Victor Jara), donde más de diez mil fanáticos repletaron el lugar, convirtiendolo en el primer concierto masivo de un grupo rock chileno, no sólo una fiesta, sino también en un rito. Cuentan que al finalizar la última
función, cuando el trío acababa de retirarse del escenario tras entonar “Nunca quedas mal con nadie”, el público se quedó coreando su propio cántico, espontáneo y fiel: “A viña, a viña”… pero eso forma parte de otra historia.
Las fotografías fueron tomadas por Jorge Brantmayer, esas clásicas tomas en la línea 2 del metro de Santiago, el diseño de la portada fue obra de la empresa “Diseñadores asociados” (De todos los albumes es la más simple).
(Nota extraída de http://prisioneros.net)
Todas las canciones escritas y compuestas por Jorge González.
1. "Muevan las industrias" – 4:07
2. "¿Por qué no se van?" – 3:01
3. "El baile de los que sobran" - 5:42
4. "Estar solo" - 4:33
5. "Exijo ser un héroe" - 5:44
6. "Quieren dinero" - 5:12
7. "Por favor" - 3:32
8. "Por qué los ricos" - 4:57
9. "Una mujer que no llame la atención" - 3:22
10. "Independencia cultural" - 4:34
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Los Prisioneros - Corazones (1990)
Género: Electro Pop
Corazones es un álbum de la banda chilena Los Prisioneros lanzado en 1990, aunque para algunos fanáticos el primer disco solista de Jorge González, producido por Gustavo Santaolalla en conjunto con Anibal Kerpel para EMI Odeón Chilena. Fue grabado, mezclado y masterizado en Los Angeles, California.
La banda deja atrás la línea de crítica social en sus letras para comenzar una nueva etapa mucho más romántica y de corte electrónico, junto con el apoyo de Cecilia Aguayo en teclados y de Robert Rodríguez en guitarras. Este fue también, el primer disco que editarían sin el guitarrista Claudio Narea.Una vez terminado el proceso de promoción del disco, el cual culminaría con dos presentaciones en la edición del año 1991 del Festival de Viña del Mar, la banda pasaría a disolverse para luego regresar a los escenarios en 2001.En el extranjero, la distribución de Corazones estuvo a cargo de Capitol Records.
"Corazones" fue escogido como el 9º mejor disco chileno de todos los tiempos, según la revista Rolling Stones. De esta manera, comparte un importante lugar en la historia musical de Chile, en conjunto con otros de sus discos : "La voz de los 80" (posicionada en el tercer lugar), y "Pateando Piedras" (en el 15º lugar).
Todas las canciones escritas y compuestas por Jorge González.
1. Tren al sur
2. Amiga mía
3. Con suavidad
4. Corazones rojos
5. Cuéntame una historia original
6. Estrechez de corazón
7. Por amarte
8. Noche en la ciudad (Fiesta!)
9. Es demasiado triste.
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Los Electrodomesticos - Viva Chile! (1986)
Género: Electro Pop
Los Electrodomésticos agitaron la escena artística chilena de los años '80 no sólo desde un punto de vista musical, sino también en lo visual y técnico. Sus inclasificables grabaciones mezclaron como nadie antes en el país instrumentos en vivo, dark británico, ruidos de la calle, la voz grave de Carlos Cabezas y ciertos experimentos técnicos que constituyeron el primer uso sistemático de, por ejemplo, samplers como recurso de trabajo rockero.El grupo funcionó en una primera etapa durante poco más de seis años, llegando a editar sólo dos discos y realizar contadas presentaciones en vivo hasta su disolución, en 1990. El año 2004 trajo el regreso de Electrodomésticos con un aplaudido nuevo álbum, La nueva canción chilena.
A principios de los años '80 y bajo el nombre de Rajacerebros, el bajista de Primeros Auxilios, Silvio Paredes, y el guitarrista Ernesto Medina —ambos, compañeros en la carrera de Arte de la Universidad de Chile— experimentaban con grabaciones tan curiosas como los sonidos de jugueras encendidas. Conocieron en 1984 a Carlos Cabezas, un ex controlador de tráfico aéreo de intereses y generación en común, y que venía realizando algo de composición junto a un proyecto llamado Trígono. Sin ansias por popularidad y de acuerdo a una lectura un tanto más "adulta" del trabajo musical —pues todos sus integrantes bordeaban los treinta años—, el grupo comenzó a improvisar sobre la base de teclados como el Casiotone, cintas, samplers y diversas máquinas.
Bajo el elocuente nombre de Electrodomésticos y tras musicalizar con cintas una exposición en galería Bucci, debutaron en vivo en 1985 en el Teatro Moneda, como teloneros de Primeros Auxilios. Su comentado espectáculo llamó la atención del sello EMI, entonces adalid del nuevo movimiento pop en desarrollo, y dispuesto incluso a acoger a una banda tan lejana a los parámetros masivos. Según el libro La era ochentera, de los periodistas Óscar Contardo y Macarena García, "Cabezas pensó que se estaban burlando de él cuando le dijeron que la EMI estaba interesada". Pero el asunto era en serio y el grupo debutó en el mercado con el cassette Viva Chile, grabado y editado con relativa rapidez. Una combinación de ruidos electrónicos sin aparente guía melódica y el reemplazo casi total de las voces en vivo por grabaciones recolectadas por Medina en televisión y radios AM (con personajes como La Brujita Caramelo, Yolanda Sultana o el predicador estadounidense Jimmy Swaggart) servían de base para el novedoso registro. Según Cabezas, "teníamos la conciencia de que en lo que uno escucha inconscientemente en la micro, en la calle, hay muchas claves de lo que somos, de cómo somos, de cómo hacemos las cosas, de lo que esperamos. Las cosas que estaban mimetizadas en el paisaje sonoro las tomábamos, las cambiamos de contexto, ofrecíamos otra lectura".
Buena síntesis del estilo era "Yo la quería", una canción inspirada en el filme El chacal de Nahueltoro, y en donde Cabezas imitaba el testimonio del culpable de un crimen pasional. El tema dio pie para uno de los primeros y mejores videoclips grabados en Chile, filmado por Pepe Maldonado.Su innovador trabajo le regaló al grupo un nada despreciable séquito de admiradores, principalmente vinculados al mundo universitario. Sus conciertos se concebían como conceptos globales de sonido, escenografía y luces, a los cuales se les titulaba con nombres como "Electrodomésticos en general", "Los misterios de la fe" o "Aires de Albuquerque". "Nosotros mismos martillábamos los clavos del montaje. Éramos muy obsesivos", recuerdan. La promoción de Viva Chile llevó al grupo hasta Buenos Aires, donde se presentaron en el Teatro Santa María junto a Los Twist y La Torre, e, inexplicablemente, en un programa televisivo de variedades que no hizo más que confirmar su habilidad para encontrar brillo en la cultura de la basura. Al año siguiente, el grupo repetiría la experiencia, gracias al interés trasandino por una propuesta valorada en su cabal novedad.
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Jorge Gonzalez - Mi Destino (1999)
Género: Rock de Autor
El peso de haber sido el compositor, vocero y líder de Los Prisioneros ha sido algo ineludible para Jorge González, con todo lo positivo y negativo que eso pueda suponer. Una carrera solista como cantante, períodos de reclusión, experimentación en la electrónica, su caída y recuperación de la cocaína, la reunión de Los Prisioneros (en el 2001) y su mudanza a México han sido los sucesivos pasos profesionales y personales de un compositor de excepción en la historia de nuestra música popular, cuya personalidad ha resultado demasiado atractiva como para que los medios y el público puedan dejarla en paz por mucho tiempo. Su nombre puede ser para algunos sinónimo de polémica, pero supone para la mayoría las condiciones de vida intensa, a veces errática, y llena de visicitudes que suelen caracterizar las biografías de los grandes artistas. Su evolución como cantautor ha sido de una inusual amplitud, convirtiendo al adolescente fanático de Bee Gees y The Carpenters en un hombre adulto bien informado de la escena electrónica alemana, por ejemplo. Entre ambos puntos, se cuenta el interés consecutivo por el punk circa The Clash, la new-wave inglesa de los años '80, la música disco y hasta la cumbia venezolana. Pese a que han sido sus pasos rockeros los más difundidos en Chile,
González viene desarrollando desde los años '90 una activa labor de colaboraciones con importantes nombres del tecno; o al menos del círculo de chilenos asentado en Europa. Eso ha incluido grabaciones junto a gente como Señor Coconut, Mambotur y Dinky; además de sus personales incursiones al respecto, tanto en solitario como con los proyectos Gonzalo Martínez y Sieg Über Die Sonne.
Canciones:
1. Me pagan por rebelde
2. Envidia
3. El viejo que bailaba "El nuevo estilo de baile"
4. Necesito poder respirar (Albert Hammond)
5. Allende vive (Y yo se dónde)
6. Pidiendo perdón
7. Carita de gato
8. Blanca blanca
9. Corre como el agua
10. Nunca mas
11. Caszely.
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Los Tres - La Espada y la Pared (1995)
Género: Rock
Los Tres son el gran símbolo musical de los años '90 en Chile, y su rearticulación, en el año 2006, podría convertirlos también en una sociedad clásica, a la manera de Los Jaivas. Si bien su sonido se concibió y desarrolló como el de una banda de rock, con el tiempo expandió las fronteras del género, pues ha explorado con elegancia también otras zonas —desconocidas o desvalorizadas— de nuestra tradición musical.
De la cueca a la balada, con algo de Nueva Ola y Nueva Canción Chilena, Los Tres han condensado en su casi decena de discos hasta ahora una mirada refinada sobre Chile y su pasado musical, con uno de los mejores sonidos logrados por una banda local desde los primeros ensayos criollos de rock. En la banda confluyó inicialmente el talento de cuatro instrumentistas de excepcional preparación, todos los cuales han mantenido destacadas carreras musicales tras la primera disolución del grupo, en mayo del año 2000.Los Tres lograron cada vez mejores discos en la medida que fueron tomando el control completo de su música. La espada y la pared (1995) fue el resultado de un enfoque más seguro, en el cual la banda aseguró un sonido emancipado al fin del de sus inspiradores. Aunque el disco contenía canciones que serían cumbres de su repertorio ("Déjate caer", "Tirate", "Te desheredo"
, eligieron presentarlo con un tema ajeno, y no podrían haber ideado mejor estrategia. "Tu cariño se me va" era una vieja canción de Buddy Richard, que la banda volvió a grabar con énfasis rockero y el propio autor(ausente hacía años de los medios) compartiendo micrófono con Henríquez. El experimento funcionó maravillosamente.
El single no salió de las parrillas radiales por varios meses, pero además ayudó a que Los Tres cruzaran desde su inicial seguimiento juvenil hacia el favoritismo de un público amplio. Además, instalaba de modo contundente su filosofía de trabajo musical como parte de una tradición que agitaba el presente sin dejar de mirar al pasado. La suya era una aproximación chilena al rock, que se atrevía a ubicar en un mismo lugar de reverencia a los Beatles, Buddy Richard, Elvis Presley, Violeta Parra y The Smiths.
http://lix.in/d4c31aea
Los Tres - Fome (1998)
Género: Rock
El de Los Tres Unplugged (1996) fue un éxito avasallador, que de algún modo terminó por incomodar al cuarteto. "Para cualquier grupo, yo creo que es descolocante llegar a ese nivel de exposición. Ese rollo de recuperadores de la cultura era... te levantabas en la mañana y como que te sentías cargando
el peso", dijo más tarde Henríquez. Eso explicó en parte la profundidad de Fome (1998), un disco de fiera electricidad y versos incómodos sobre fama, muertes violentas y hastío ("Me arrendé" y "Toco fondo" eran dos títulos elocuentes).
Fue un trabajo registrado en la localidad de Woodstock, cerca de Nueva York, y a cuyo exigente sonido se le culpó de hacer caer las ventas del grupo. Más que recelado, Fome pareció ser un disco inicialmente incomprendido, y al que los fans fueron valorando con sucesivas pasadas. El álbum se publicó excepcionalmente en cuatro formatos: además de CD y cassette, un tiraje limitado de CDs de lujo y vinilos. Poco mas tarde, apareció una caja que integraba los cuatro primeros álbumes de estudio (con una versión remezclada de Se remata el siglo).
Los esfuerzos del grupo por reproducir su éxito en el mercado mexicano desgastaron poco a poco sus relaciones internas. La música de Los Tres no era el pop universal de La Ley, y su tipo de rock exigía más explicaciones, más entrevistas, más visitas a radios y más presentaciones televisivas de las que el grupo estaba dispuesto a hacer. En sucesivos viajes a partir del año 1995, Los Tres ofrecieron presentaciones en locales de capacidad moderada y uno que otro encuentro masivo (como la Feria del Libro de Guadalajara, en 1999). Si bien todos sus discos se publicaron en ese mercado, la banda nunca pareció completamente convencida con el precio a pagar por una fama continental, como la que por entonces perseguía La Ley: "Jamás nos mudaríamos a México. No se nos pasa por la cabeza darle filo a Chile porque sea un país muy chico", afirmaron.
http://lix.in/456117b2
Pánico - Subliminal Kill (2006)
Género: Punk Electrónico
Francés, chileno, franco-chileno, ya son categorías que quedan chicas a Pánico, un grupo que después de haberse convertido a la cumbia como una sonora telepática hace tres años, ahora vuelve con lo que bien podría ser su primer disco chicano new wave. O niu wey, para que rime con "Qué pasa wey", la primera de sus nuevas melodías.Wey, el modo coloquial en que suelen llamarse entre sí los mexicanos, aparece una y otra vez en estas canciones. Y new wave, la nueva ola que cambió la cara de rock después del punk de los años ’70 en el mundo, es algo que Pánico ya conoce desde hace tiempo, como bien lo prueban "Rayo directo al ojo" o "Mejor día", canciones de su disco Rayo al ojo (1998). En Subliminal kill el grupo vuelve sobre parte de esas raíces, justo cuando el post-punk vuelve a estar en boga. Queda claro desde el comienzo, con el rol esencial de la bajista Carolina Tres Estrellas en sustentar junto a la batería de Seba la irresistible base bailable de "Qué pasa wey", que luego se encadena sin respiro a "Transpira lo" con el agregado de un rap estampado sin dilaciones por la estadounidense Crazy Girl. El resultado de esas canciones es inmediato y tiene el espíritu de los B-52’s más bailables de la new wave entera.
También hay sonido más electrónico. Así se oye una nueva versión de "Quiero estar anfetaminado", canción temprana del grupo, mientras "Ice cream" también comparte ese carácter. "Iguana" es un episodio en especial alucinógeno, lento, desértico y reptilesco multicolor, en el que el cantante Edi Pistolas delira en inglés y español frases como "You look like god baby on this rock / Iguana mexicana falling down" en medio de los efectos marcianos y scratches provistos por el guitarrista Memoria Radial y por DJ Squat. Y la adaptación de Pánico para "Lupita" es una buena excusa para escuchar sin pausas el mambo original del padre del género, Dámaso Pérez Prado, luego la versión que Pachucho y la Cubanacán impusieron en Chile y luego la de Pánico, para ver cuánto se puede disparar la teoría de la evolución de las especies."New York Santiago París Barcelona", enumera Edi Pistolas en "Santiago song", bañado en el bajo adhesivo y la batería prendida de Pánico. Es una declaración de principios del todo compatible con el lenguaje híbrido que han llegado a manejar, y que recorre toda la expresión del grupo, desde los sabrosos cencerros descubiertos por gringos como LCD Soundsystem o The Rapture y recuperados aquí por Seba y Squat, hasta el spanglish con que Edi Pistolas canta todo este disco, alimentado de Perdita Durango y con pronunciaciones como "Jánguin arraund". Algo así como cuando U2 parte cantando "uno, dos, tres, catorce", sólo que al revés, rock excitante en vez de rock repetido.
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Los Ángeles Negros - Y Volveré
Género: Balada Rock
Los Ángeles Negros fueron los creadores de uno de los pocos sonidos auténticamente originales que han surgido en Chile. La fórmula de la música romántica con instrumentos de rock constituye hoy día una ecuación universal del género, pero hasta 1968, cuando este grupo nació en un pueblo al sur del país, el formato no existía. Los cantantes románticos tocaban acompañados de guitarras acústicas –al estilo de Los Panchos– o con orquestas –en la tradición inaugurada por Agustín Lara. Germaín De la Fuente y su conjunto –con alineación de guitarra, bajo, batería y teclado- inauguraron esa nueva fusión, que hasta hoy es el soporte más común de la música romántica de todo el continente.
En su momento fueron emulados por decenas de bandas: En Chile Los Galos, Los Golpes o Capablanca, en Perú, Los Pasteles Verdes, en Venezuela Los Terrícolas, y, avanzados los '90, marcaron una fuerte influencia en grupos mexicanos como Los Bukis y en la llamada onda grupera surgida en la frontera con Estados Unidos.
En octubre de 1969 el grupo terminó de registrar Y volveré, con temas como "Y volveré " (un cover con letra de De la Fuente del tema del francés Alain Barriere "Emporte moi"
, "El rey y yo", "Como quisiera decirte" y "Murió la flor", entre otros. La buena factura de la grabación, la original base funky de las canciones y las sentidas letras los convirtieron en un atractivo de escala internacional. Al poco tiempo emprendieron una gira por Ecuador, iniciando un periplo internacional que incluyó Argentina, Perú, Venezuela y países centroamericanos.En todos esos lugares, el conjunto se convirtió en un suceso: Fanáticas esperando en los aeropuertos, regulares conciertos en estadios llenos y una inusual cobertura periodística, conformando un fenómeno que los llevó, entonces, a la frecuente comparación con el arrastre que los Beatles habían protagonizado en el mundo anglosajón. En 1971 el vendaval aterrizó en México, con 700 mil copias vendidas de Y volveré, abriendo un nuevo y determinante universo de acción para el futuro del conjunto, que en los tres años siguientes completó una discografía de seis títulos.Link Pendiente
Los Blops - Locomotora (1973)
Género: Folclor Progresivo
Locomotora o Blops III es el tercer y último álbum de la banda chilena Los Blops, editado en 1973. A diferencia de sus dos últimos discos, el estilo de este álbum se caracteriza por dejar de lado completamente el Folk-Rock que los caracterizaba abarcando de lleno el Jazz Fusión, con temas más largos que los anteriores y 100% instrumentales. Tampoco contó con la participación del guitarrista Julio Villalobos, quien; después de la abucheada presentación del grupo en el Festival de Viña del Mar en 1972, se retiró de este, siendo reemplazado por el pianista Juan Vile Carlos. Este disco fue grabado en los estudios RCA en Buenos Aires, Argentina, en solamente 14 horas. Este estudio estuvo disponible para la banda gracias a su productor Pepe Romeu.
El álbum tuvo escasa promoción, siendo editadas solamente 500 copias en Chile.
Lista de temas
1. "Allegro Ma Non Troppo" (Pepe Romeu) -12:44
2. "Tartaleta de Frutilla" (Eduardo Gatti) -9:00
3. "Locomotora" (Juan Contreras) -5:27
4. "Pirómano" (Juan Vile Carlos) -5:34
5. "Sandokán" (Eduardo Gatti/Juan Pablo Orrego) -9:12
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Álvaro Henríquez - Álvaro Henríquez (2004)
Género: Rock
Cualquier sospecha sobre la real capacidad de Henríquez para desarrollar una carrera solista sin los talentosos compañeros que lo habían acompañado en Los Tres y Pettinellis quedó disipada de modo contundente en su debut solista. Álvaro Henríquez (2004) es un disco poderoso, en el que el cantautor afinó aquello que durante los años ha ido conformando todo un universo estético; mezcla de raíz chilena, próceres musicales estadounidenses (Johnny Cash y Brian Wilson eran dos nombres significativos para él a esas alturas), nostalgia en la autorreferencia, y acidez en su observación social. Las suyas son influencias excepcionalmente amplias para la media chilena, y van manifestándose en delicadezas armónicas a-lo-Beach Boys, cuecas más o menos convencionales (la de "Barco y naufragio" es totalmente eléctrica) y versos de amor que inquietarían hasta a Nick Cave (como los de "Amada"
. 
Las doce canciones (todas suyas, a excepción de "Jefe de jefes", de Los Tigres del Norte) se grabaron junto a músicos de diversas procedencias, que incluyeron al cuequero Rodolfo Henríquez, el ex Pettinellis Pedro Araneda, intérpretes sinfónicos de cuerdas, e integrantes de Café Tacuba y Los Bunkers. La edición del álbum se adelantó con dos vinilos (45 rpm) para los temas "Amada" / "Tengo más alcohol que sangre" y "Recién cansado"/"Barco
y naufragio".
Tracklist:
Sirviente y no patrona
Vida o muerte
Amada
Le tengo dicho a mi negra
Recién cansado
Nicanor
Jefe de jefes
Tengo más alcohol que sangre
Marcas en el alma
Matame
Raffaella
Barco y naufragio
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Lucybell - Viajar (1996)
Género: Pop de Autor
Hay varias etapas en la historia de Lucybell, separadas por las distintas formaciones del grupo. Con quince años de trabajo y sólo un integrante original en su presente alineación, la banda mantiene sin embargo un espíritu coherente con el de sus inicios.
La suya ha sido una discografía de inusual constancia para su generación, y ha logrado imponer un estilo de carácter en el más bien imitativo panorama del pop chileno. Sin abrazar los códigos más obvios de lo popular, Lucybell ha sido capaz de elevar suficiente cantidad de singles a la categoría de melodías masivas, desarrolladas incluso cuando el interés del medio hacia la música joven era casi nulo. Su éxito en Chile derivó en los esfuerzos de internacionalización que ocupan al grupo en su actual formación de trío, desde que, en el 2003, fijaron su residencia primero en Los Ángeles, California; y, posteriormente, Ciudad de México.
En el álbum Viajar (1996) el grupo combinó citas al trip-hop entonces en boga ("Mataz"
con temas de mayor intimismo ("Carnaval", "Viajar", en un resultado que asumieron como un desafío, y del cual salieron airosos. Tras giras de promoción por Estados Unidos y México, y su debut en el Festival de Viña de 1998, Lucybell publicó un álbum que detuvo en parte su ascenso comercial. Más hermético y completamente autoproducido, Lucybell (1998, conocido también como el "disco rojo", no tuvo la venta ni difusión radial esperada, pese a la sugerencia de singles como "Flotar es caer" y "Caballos de histeria".http://rapidshare.com/files/31858147/Lcbl_-_Viajar__1996_.rar
Mauricio Radolés - Quiñen Mató a Gaete?
Género: Inclasificable
El calificado por algunos como el Bob Dylan chileno (?), compuso en 1996 ¿Quién Mató a Gaete? donde se incluye el tema del mismo nombre y ya parte de la memoria colectiva del país, y donde también destaca el corte Eh Rica, típico de la programación nocturna de TVN en los trasnoches de los '90 antes del cierre de transmisiones.
El toque típico de Mauricio Redolés se ve reflejado en este trascendente disco, el cual consiste en alternar la música con la locución... en fin: poesía, canto popular, folk y narración.
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Manuel Garcia - Pánico (2005)
Género_ Nuevo Folclor
Más escondida o más aparente según el caso, la primera educación del músico chileno Manuel García ha sido el ejercicio de componer y cantar canciones a solas con una guitarra. Más moderada en su grupo de rock Mecánica Popular y más presente en su anterior y disuelto conjunto Coré, es en su primer disco como solista donde esa escuela de trova es de plano evidente. Con evidencia de la mejor.
Pánico es una colección de canciones inéditas, escritas y guardadas durante años por el cantante. En algunas de ellas, como "Tanto creo en ti" o "Tu ventana", su modo de pulsar la guitarra con la mano derecha es afín al de Silvio Rodríguez en canciones como "El pintor de las mujeres solas" o "Nuestro tema", y ése no es sino el punto de partida más apropiado para un músico como este. A cambio, la mano izquierda con la que despliega los acordes, la voz, la melodía, el fraseo, son todos rasgos propios que abundan en esta música y se manifiestan en muchos sentidos: armonías imaginativas, ejecución sólida, melodías bonitas y casi siempre melancólicas. Junto a la trova se adivinan otras fuentes, también escondidas o aparentes, como una guitarra acústica de acento blusero y rockero en "Insecto de oro", la escucha latente de Radiohead o el rock lento de piano y batería que es "Caen lunas".La mano del productor general, el cubano Fidel Antonio Orta, secundado por el talentoso pianista chileno Alejandro Soto y por el propio Manuel García, son responsables de otro punto cumbre del disco: los arreglos de las canciones, capaces de levantar un mundo de timbres ya no de una orquesta ni de un gran conjunto, sino de un juego de guitarras de cuerdas metálicas o de nylon. Y para tocar esto Manuel García acude a polos diversos: un trío de cuerdas, músicos de los propios Mecánica Popular como Diego Álvarez (guitarra) y del disuelto grupo Surgente, como Alejandro Soto, el guitarrista Ian
Moya y el percusionista Cristián Carvacho. Con ellos el cantante canta metáforas incontables, toca una reinvención acústica de "La pena vuela" (de Mecánica Popular), hace la singular conjugación verbal en "El viejo comunista", entona canciones de amor como "Hablar de ti" y "Cómo dices tú" y atiborra versos de palabras que hasta ponen en aprieto su respiración en "Pánico", la canción. Pánico, el álbum, uno de los lanzamientos musicales
chilenos del año, es un disco denso de tanta música que encierra, y con él Manuel García gana espacio entre los mejores nuevos autores populares chilenos.
01. Tanto creo en ti.
02. La pena vuela.
03. Bufón.
04. Insecto de oro.
05. Tu ventana.
06. Pánico.
07. El viejo comunista.
08. Hablar de ti.
09. Cómo dices tú.
10. La danza de las libélulas.
11. Azúcar al café.
12. Caen lunas.
13. El reino del tiempo.
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Fiskales Ad-Hok - Fiskales Ad-Hok (1993)
Género: Punk
El único grupo chileno que desde los márgenes de la industria ha tendido un puente entre décadas y contextos sociales ha sido Fiskales Ad-Hok. Muchas bandas punk, surgidas también en medio del interesante momento creativo que motivó la resistencia a Pinochet, fueron quedando en el camino o vieron su fondo agotado una vez que Chile se acomodó en la nueva figura de la transición democrática. Fiskales Ad-Hok, sin embargo, encontró también en los años 90 nuevos blancos de denuncia y amplió su grito de hastío hasta asegurarse que a nadie le fuera fácil evadirlo.
A lo largo de la extensa carrera del grupo, ha latido en sus discos un mismo pulso humanista que ha convertido a sus canciones en dardos veloces contra autoridades, promesas vacías, y, a veces, hasta contra ellos mismos. Su sistema de trabajo independiente ha resultado de enorme influencia para varias bandas formadas a la luz de su ejemplo, y demuestra que incluso un grupo de punks chilenos está capacitado para manejar su propia empresa (el sello C.F.A.), organizar giras a Europa, y agitar de modo incesante los rígidos escenarios locales sin más ayuda que la de sus fans.
"Antifascistas, antisexistas y a favor de la autogestión", según propia definición, Fiskales Ad-Hok es, además, un grupo de características únicas en la historia de nuestro rock. Respecto a sus primeras grabaciones, "Nadie sabía tocar nada. Tampoco teníamos instrumentos", recuerda Roli en La era ochentera. "Eran las puras ganas, y unos pocos ensayos que habíamos hecho construyendo una batería con tambores de cartón”. El bajista venía saliendo de un período de militancia en las Juventudes Comunistas, y buscó en su banda una manera diferente de agitar socialmente al Chile bajo dictadura. Según Álvaro, "nuestra idea era hacer extremismo musical; hacer una banda para putear a los milicos". Además de la precariedad técnica, sus conciertos comenzaron a distinguirse como una experiencia de intensidad casi física, que ninguna otra banda chilena era capaz de motivar. Fue común que muchos de sus recitales quedaran inconclusos para evitar riesgos. Roli contó alguna vez que "hubo un tiempo que las pandillas iban a pelear a las tocatas, que era como su punto de encuentro. Decidimos que cada vez que eso ocurriera, parábamos de tocar. Era heavy, porque llegaban hasta brigadas de nazis”.
Los Fiskales miraron a lo lejos el llamado "boom" del pop chileno, y luego vieron cómo esas mismas bandas caían una a una. Quizás la principal cercanía ideológica se daba, en su caso, con Los Prisioneros; pero los Fiskales jamás pensaron en sí mismos como un grupo apto para las radios ni la televisión. Su primera emisión radial se dio dentro del programa "Melodías subterráneas", de Rolando Ramos: "Apestan los burgueses", cantaban en ese primer demo mostrado al país. Su debut discográfico no se concretó sino hasta 1993, cuando bajo etiqueta Batuta Records apareció Fiskales Ad-Hok, un disco difundido sobre todo por las canciones "Borracho" y "Pa pa pa" (del trío de Jorge González). El año anterior, el cuarteto había abrazado un sueño personal al abrir el concierto de la fundacional banda punk neoyorquina The Ramones en Chile. La furia contenida en ese primer álbum no dejaba dudas sobre su vocación antisistema. En la canción "El cóndor", Álvaro España se encargaba de ¿cantar?: "Esto no es una canción, es un insulto radical / cómo quisiéramos mear en un casco militar / también podríamos quemar una bandera de Renovación Nacional / y ver tirado en un basural uno que otro puto general...”. En "Libertad
vigilada" lo que salía era una advertencia: "No seas policía ni seas capellán / Escucha: no te metas en lo mío".
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Buddy Richard - Concierto en el Astor (1969)
Género: Balada Rock
Buddy Richard es uno de los pocos solistas chilenos adscritos al movimiento de la Nueva Ola que han logrado trascender en el tiempo con un repertorio propio y un estilo de marca personal que mezcla balada romántica y rock orquestal.
Autor de composiciones que han cruzado las fronteras del país ("Mentira", "Tu cariño se me va", "Despídete con un beso"
y que han sido recreados por músicos pop y rockeros chilenos de generaciones posteriores a la suya, el cantante es uno de los valores más reputados e incombustibles de la escena local, cuya actividad tiene ya una aparente fecha de cierre en un anunciado retiro para principios del año 2008.Auque su talante autoral estaba más que probado para la segunda mitad de los '60, su productor disquero –que para entonces había llevado a los músicos de Arena al catálogo de RCA– persistía en introducir canciones de autores extranjeros en el repertorio del compositor."Peleé bastante por eso y tuve que hacer algunas concesiones para seguir grabando", dice hoy Buddy Richard, quien igualmente terminó saliéndose con la suya: las canciones de su autoría que grabó en esa época ("Quiera Dios", "Amor por ti", "Te necesito", "Amor gitano", "Con mi bombo y mi chinchín"
lideraron los ránkings radiales y de ventas. Su popularidad fue consagrada al final de esa década con un álbum grabado en vivo el 28 de noviembre de 1969.
Buddy Richard en el Astor fue uno de los primeros registros en directo en la industria discográfica chilena. El concierto fue transmitido por radio y televisión, y en un hecho insólito entre los cantantes juveniles en boga, reunió en escena a una orquesta de 38 músicos de etiqueta. El disco, uno de los mejores en su género en Chile, operó como una suerte de grandes éxitos en directo y se transformó en otro suceso de ventas para el cantante y en referente para los de su generación: tiempo después, el ejemplo fue seguido por Gloria Simonetti y José Alfredo Fuentes, quienes hicieron sendos registros en vivo en el teatro Astor.
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Los Bunkers - La Culpa
Género: Rock
]Unidos inicialmente por su común afición a la canción de molde beatle, Los Bunkers han mostrado a través de los años un creciente interés por la composicion chilena de raíz folclórica, sobre todo aquella trabajada durante la década de los '60 por el movimiento de la Nueva Canción Chilena. Entre esos dos referentes creativos y el filtro de versos de valiosa revelación emocional se debate su música; un rock de innegable atadura al pasado pero desarrollado con rigor y frescura, además de una agilidad excepcional que les ha permitido mantener un saludable ritmo de ediciones.Desde mediados de esta década, Los Bunkers es el grupo chileno de rock con mayor actividad en México, a donde la banda ha viajado en incontables ocasiones para acelerar un ritmo promocional que ya cosecha vistosos frutos.
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]Su interés por la Nueva Canción Chilena se plasmó de modo innegable en La culpa, el disco que la banda publicó en el 2003 y que fue de inmediato alabado en suficientes comentarios periodísticos. Eran canciones de crudeza rockera, pero moderadas por timbres de, por ejemplo, quenas y charangos. Los versos estaban a la altura del inquietante título, y se debatían entre el resentimiento amoroso de "No me hables de sufrir" y la queja amarga de "El festín de los demás" (suerte de actualización para "El baile de los que sobran", de Los Prisioneros). A través de un disco profundo, Los Bunkers habían añadido otro eslabón a la cadena de tristeza que afirma nuestra música popular. Su admiración por Violeta Parra es cosa sabida, pero el grupo la reafirmó en ese disco con una nueva versión para "La exiliada del sur” y, en mayo del 2004, con una serie de conciertos con versiones propias para sus canciones. Poco antes se habían presentado por primera vez en el Festival del Huaso de Olmué (lo repitieron en el verano del 2006), y ya no hay dudas sobre el vínculo profundo que el grupo pretende forjar con la tradición. En esa misma línea puede considerarse su colaboración con el debut solista de Álvaro Henríquez, otro rockero penquista interesado en las raíces sonoras locales, y a quien apoyaron en las sesiones de grabación del disco Álvaro Henríquez, y luego en la presentación del mismo, en diciembre del año 2004.
Tracklist:
1. Canción para Mañana
2. No Me Hables de Sufrir
3. No Necesito Pensar
4. Cura de Espanto
5. Dios No Sabe Perder
6. Culpable
7. La Exiliada del Sur
8. El Día Feliz
9. El Festín de los Demás
10. Mariposa
11. Mira lo Que Dicen sobre Nuestro Amor
12. Última Canción
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Nicole - Sueños en Transito (1997)
Género: Pop de Autora
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Las cantantes chilenas suelen resguardar sus dotes bajo la sombra de la balada, un género en el que pueden lucirse sin demasiado esfuerzo creativo y en el que evalúan mejores perspectivas comerciales. Son escasas las buenas voces femeninas locales con afán de búsqueda, y Nicole ha experimentado las retribuciones pero también los obstáculos de quien prefiere aventurarse en terrenos más personales. Sus años de estudio, su
experiencia en el extranjero y sus bien facturados discos son pruebas de un profesionalismo único entre las intérpretes pop de su generación.
Los medios acogieron a Nicole con calidez pero también cierta distancia. ¿Era esto pop o balada romántica? ¿A qué radio dirigirla? Chile rara vez se enfrentaba a una intérprete que combinara una alta producción con cierta autonomía de estilo. ¿Hacia dónde seguiría?Nicole no dejó lugar a dudas con su segundo disco. Sueños en tránsito (1997) fue la apuesta de una intérprete con opinión creativa. La colaboración de Andrés Sylleros y, sobre todo, la producción del argentino Gustavo Cerati afirmó su interés por barnizar de electrónica canciones en las que Nicole comenzaba por primera vez a desafiarse como compositora. Una imagen cosmopolita, fotos en Londres, y citas a los grupos tecno en boga adornaban entonces sus entrevistas. Mucho más sofisticados que sus anteriores éxitos, singles como "Despiértame" o "Noche" la afirmaban como una cantante atenta a su tiempo.
Aunque la respuesta en Chile fue menor a la producción anterior. el disco llegó a los oídos de los ejecutivos de Maverick, un sello con sede en Miami fundado por la mismísima Madonna, y el cual se interéso lo suficiente en la chilena como para ofrecerle un contrato multinacional por cinco álbumes. La firma motivó la partida de Nicole a México el año 2000 y luego a Miami, decidida a llevar su música a mercados lejanos. Pero la mudanza probó ser
dificultosa. Sin un buen manager, Nicole vio drásticamente reducida su agenda en vivo, y debió esperar más de lo presupuestado para la grabación de su primer disco internacional. La pausa la obligó a distraerse temporalmente de su carrera y ocuparse en actividades paralelas, como dar clases de canto a niños. Pero le permitió afianzar una sociedad creativa con el bajista Jimmy Frazier (ex Barracos y La Cosquilla), quien se convirtió en el principal compositor de sus canciones y en el líder de su banda en vivo.
01. Cielos
02. Despiertame
03. Noche
04. Todo Lo Que Quiero
05. Sirenas
06. Tuve Que Herirme
07. No Soy de Nadie
08. Cuervos
09. Amores Sin Voz
10. Piel Lunar
11. Lunas
12. Verte Reir
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